2018/04/05 Albumrezension: Thirty Seconds To Mars – America

Ein bisschen politischer Widerstand – und ganz viel musikalische Anpassung

Wir hatten die Gelegenheit, vorab in den heiß erwarteten neuen Longplayer America von Thirty Seconds To Mars reinzuhören. Darin führen sie ihren Weg vom Alternative Rock hin zum Mitsing-Pop konsequent fort. Mit ein bisschen Stimmung gegen Trump, Oh-Oh-Oh-Refrains und pseudo-düsteren Liebesliedern treffen sie damit genau den Massengeschmack – und entfernen sich endgültig vom sinkenden Schiff der guten alten Rockmusik.

Einer der beiden aussagekräftigsten Songs steht gleich zu Beginn des Albums. Die vorab veröffentlichte Single Walk On Water ist politischer Mitsing-Pop, der sich toll in Stadien oder auf Anti-Trump-Demos machen wird. Der Song adressiert niemand Geringeren als Donald Trump: „Do you believe that you can walk on water / Do you believe that you can win this fight tonight?“ In Hail To The Victor gehen die Kalifornier rund um Frontmann Jared Leto sogar noch einen Schritt weiter. Zu verfremdeten Gitarrenschreien singt er anlässlich des Wahlsieges von Trump: „I swear on heaven and hell / This is my revenge / Thank God high up above / This is not the end / My friend it’s not the end“.

Und sonst? Klingt die Band austauschbar und massenkompatibel wie nie. Einige der Songs könnten auch Imagine Dragons oder One Republic performen, es würde nicht auffallen. Klar, da sind die äußerst eingängigen Mitsing-Hooklines mit Ohrwurmgarantie. Aber rockige Drums und verzerrte Gitarren? Schnee von gestern, die Songs sind mit schicken Beats, Synthie-Teppichen, massivem Gebrauch von Autotune und Chören auf Hochglanz poliert. Da gibt es Trap-Anleihen, hochgepitchte Vocals und Synthie-Teppiche, die auch Justin Bieber gut zu Gesicht stehen würden.

Die Songs Rescue Me, Love Is Madness oder One Track Mind sind gut produzierte und leicht bekömmliche Popsongs mit R&B- und Electro-Anleihen. Lediglich mit Remedy und in Ansätzen Live Like A Dream lässt die Band zum Schluss des Albums noch ein wenig nostalgische Bezüge zu ihren Wurzeln erkennen, bevor der Longplayer mit dem schwülstigen Bombast-Trailer-Track Rider ausklingt und einen ratlos zurücklässt.

Ist das alles noch Rebellion und wilder Ungestüm, Ausdruck von Subversivität oder Individualität? Nein, der austauschbare Major-Hochglanzsound geht ganz bewusst mit dem Zeitgeschmack. Da ist glattgebügelt worden, was nur im Entferntesten als nonkonform empfunden werden könnte. Denn Thirty Seconds To Mars, eine der großen Stadion-Rockbands der 2000er, bringen noch eine ganz andere Botschaft mit sich: Rock ist tot. Ein sinkendes Schiff, das sie bereitwillig verlassen. Wohin? Ganz egal. Hail To The Victor!

Anspieltipps: Walk On Water, Great Wide Open, Hail To The Victor, Remedy

 

 


2018/03/27 Phenom Music ReWork: Here Comes The Sun

Wir haben es schon wieder getan: Voller Vorfreude auf den Frühling haben wir den alten Klassiker Here Comes The Sun von George Harrison neu verkleidet und mit ein paar Überraschungen in neuem Gewand veredelt. Zu hören gibt es einen Ausschnitt davon in einem extra dafür gebastelten Teaser mit tollen Bildern aus unserem letzten Trip nach New York City, der euch in die richtige Stimmung bringen soll.

Und als wäre das noch nicht genug, gibt es für jeden, der Lust hat, das Here Comes The Sun ReWork in voller Länge auch auf SoundCloud zu genießen. Wir haben versucht, dem alten Klassiker mit einem Mix aus akustischen und elektronischen Instrumenten einen neuen Touch zu geben. Jetzt reinhören und Frühlingsgefühle abholen!


2018/03/06 Albumrezension: Vance Joy – Nation Of Two

Akustikklänge aus Down Under

Wie klingt handgemachte Popmusik im Jahr 2018? Wenn man sich mit dieser Frage beschäftigt, führt momentan kein Weg am australischen Singer-Songwriter-Shootingstar Vance Joy vorbei, der jüngst seinen neuesten Longplayer Nation Of Two vorgelegt hat. Nach dem großen Erfolg seines Debütalbums Dream Your Life Away (2014) und der Single Riptide legt der Australier nach 4 Jahren sein zweites Album vor. Darin singt er über Themen wie Homecoming, Verliebtsein, aber auch verflossene Liebe, Trennung und Verarbeitung schmerzender Vergangenheit.

Das Album startet sanft und malerisch, bevor sich einige dynamische Nummern mit hymnischen Refrains anschließen, darunter die Singleauskopplung Lay It On Me. Mit Bläsereinsätzen, Chören und dem Einsatz des Banjo halten auch Folk-Elemente und Power Pop Einzug, aber letztlich überwiegen doch die ruhigen Gitarrenballaden.

Die Single Lay It All On Me ist ein folkiges Singer-Songwriter-Stück mit aufgehendem Refrain und Chören. Auch in Saturday Sun vermischen sich Latin-Elemente mit Bläsereinwürfen zu einer schönen Frühlingshymne. Like Gold ist einer der stärksten Songs des Albums. Er erzählt von Erinnerungen an eine gescheiterte Liebe, deren Glanz immer noch leuchtet und eine leise Hoffnung hinterlässt. Der melancholische Song öffnet sich mit Chören und großen Drums im Chorus Richtung Indie-Pop und endet doch ganz zurückgezogen.

Der Longplayer lässt nach hinten heraus leider nach. Es gibt einige Songs, die wie uninspirierte Aufgüsse vergangener Glanzzeiten klingen. Es ist dann doch eine zähe Ballade zu viel (Alone With Me, Crashing Into You), was den guten Eindruck der ersten Hälfte des Albums schmälert. Alone With Me erinnert unnötigerweise durch Melodieführung und Produktion an sehr bekannte Ed-Sheeran-Balladen und kann trotz netten Streicherarrangements nicht recht zünden. In One Of These Days klingt Vance Joy wie eine Mischung aus 90er-Brit Pop und kanadischem Power Pop mit großem Chor-Refrain. Dennoch überzeugt die Mischung nicht.

Doch mit Bonnie & Clyde, einer musikalischen Hommage an große Singer-Songwriter-Zeiten mit folkigem Einschlag, kehrt die Hoffnung noch einmal zurück. Der eingängige Gitarrenlick begleitet Vance Joys Gesang über das Loslassen von Vergangenem und dem Beschreiten neuer Wege und ist einer der überzeugendsten Songs des Albums – und einer der reifesten: Don’t matter where you’ve been / You jump into the water and you come out clean .

Vance Joys ehrlicher Gesang klingt stets authentisch und rund. Die 13 Songs von Nation Of Two klingen denn auch erwachsener und reifer als der Erstling Dream Your Life Away. Die Naivität ist ein Stück weit verschwunden, aber auch die Unbekümmertheit. Die Indie- und Folk-Elemente sind immer noch da, sorgen jetzt aber eher für epische Breite als Partyfeeling. Zusammen mit dem etwas tieferen Gesang Vance Joys ergibt das ein Bild eines gereiften, aber auch ernüchterten Künstlers. Der Schwung des ersten Albums ist dahin. Ob das reicht, wird sich zeigen. Schöne Momente sind allemal genug vorhanden und verleiten einen zum Abschalten, Wegträumen oder Dahinschmelzen.

Anspieltipps: Saturday Sun, Like Gold, Bonnie & Clyde

 

 


2018/02/20 Phenom Music und Steve Hopkins releasen Kids & Comedy Album

Es ist so weit! Was lange währt wird endlich gut. Steve Hopkins haben wir bereits vorgestellt. Der Mann lebt in LA und ist Komponist und Produzent. Seine Musik ist vornehmlich in Hollywood Produktionen für Kino und TV zu hören. Zu Recht ist Steve zum fünften Mal in Folge für den Emmy nominiert! Wir hoffen, dass er das Ding dieses Jahr nach Hause holt.

Wir sind super stolz mit ihm ein erstes gemeinsames Projekt verwirklicht zu haben. Da Steve viel für Disney arbeitet, liegt es nah, dass wir ein Album zum Thema Kinder machen wollten. Das Ergebnis ist nun das Album Kids&Comedy. Die Songs sind bunt und verspielt. Sie passen zu Kleinkindern sowie zu Teenagern.

Die Leute von Warner Chappell waren so nett uns zu unterstützen. Somit sind alle Songs unserer Zusammenarbeit ab sofort zum Lizenzieren freigegeben, ganz einfach und sorgenfrei One-Stop.

Wenn Ihr also Musik braucht für Windeln, Spielzeug, Kinderwagen, Schule, Schokolade, Cartoons, Animationsfilm oder andere Filme mit Ponys, Hexen, Spielplätzen und Haustieren, zögert nicht und hört HIER rein.


2018/02/14 Happy Valentine’s Day 2018! Phenom Music in Love <3

Es ist wieder so weit. Weil wir mit unserer Tradition nicht brechen wollen, möchten wir euch wieder einen besonders schönen  Gruß zum Tag der Liebe schicken.

Unser alljährliches Valentinstagsvideo ist fertig. Dieses Jahr haben wir zur musikalischen Untermalung unser ReWork von „Kiss Me“ von Sixpence None The Richer gewählt. Wir hoffen, dass euch sowohl Film wie auch Musik gefällt.

Den ganzen Track könnt ihr auf SoundCloud hören, sowie auch unser ReWork von „Wicked Game“.

Wir wünschen euch einen schönen Tag voller Blumen, Schokolade und ganz besonders viel Liebe!


2018/02/12 Phenom Music ReWorks on SoundCloud

Wir haben uns den Valentinstag zum Anlass genommen und zwei unserer Lieblings Love Songs bearbeitet. Dabei haben wir alles auf den Kopf gestellt um unsere eigene Versionen zu produzieren und somit auch unsere eigene persönliche Note einzubringen. Die Songs haben wir auf SoundCloud für euch bereitgestellt, damit ihr sie immer und überall streamen könnt.

Sixpence None The Richer haben in den 90ern einen der schönsten Ohwürmer herausgebracht und auch das Genre des Teenie Films neu befeuert mit Kiss Me in dem Film „She’s All That“. Der Song ist leicht, verträumt und unschuldig. Wir haben Kiss Me ins Jahr 2018 geholt. Mit einem ausgefallenem Beat und einem Synth, der die Akustik-Gitarre ersetzt, klingt der Song PHENOMenal.

Für uns ist Wicked Game der Inbegriff von Sinnlichkeit in zeitgenössischer Rock/Pop-Musik. Ohne vulgär zu sein reicht allein schon der Vibe des Songs um zu wissen, worum es geht. Dabei ist noch nicht mal eine Silbe gesungen worden, als der Song in dem Film „Wild At Heart“ gespielt wurde. Dieser Song ist so sexy und gefühlvoll, dass wir unbedingt unsere eigene Version davon machen wollten.

Viel Spaß mit der Musik. Wir werden zukünftig noch mehr ReWorks zu verschiedenen Anlässen produzieren um mit euch unsere Leidenschaft für die Musik zu teilen. Also freut euch auf neue Musik von Phenom Music.


2018/01/31 Konzertkritik: Steel Panther im Mehr! Theater Hamburg

Willkommen im Hair-Metal-Zirkus!

Glam Rock und Hair Metal – war das nicht die längst vergessene Zeit von Spandexhosen, Haarspray, Lockenwicklern und Haarperücken, eine Zeit, die heute nur noch belächelt wird? Ja und nein, denn wer einmal einem Konzert der Band Steel Panther beiwohnt, fühlt sich direkt in diese Zeit der 1980er zurückversetzt.

Dabei haben die Kalifornier es geschafft, einen (falschen) Gründungsmythos zu erfinden, laut dem sie seit Ende der 1980er Jahre in Las Vegas aufgetreten sind, bis sie wiederentdeckt wurden. Auch ansonsten nehmen die vier sympathischen Musiker viele Klischees des Genres gekonnt auf die Schippe, etwa mit ihren übertriebenen Outfits oder mit Songtexten wie diesen: „Cause my heart belongs to you / My love is pure and true / My heart belongs to you / But my cock is community property“.

Und wenn Leadgitarrist Satchel die Besucher der fast ausverkauften Halle im Mehr! Theater mit „Hello Spermburg!“ und „Isch habe einen Stander!“ begrüßt, ist man auf dem richtigen Niveau angekommen. Dass das Ganze eine Parodie ist, ist eigentlich offensichtlich, wird aber nie aufgelöst, und der Zuschauermenge gefällt es offensichtlich. Die Huldigung der 1980er startet mit Songs des aktuellen vierten Longplayers Lower The Bar, technisch äußerst sicher und gekonnt vorgetragen.

Die Performance der Band stimmt: Die beiden Frontmänner Michael Starr (Leadgesang) und Satchel (Leadgitarre, Gesang) sind gut drauf und unterhalten das Publikum auch zwischen den Songs mit minutenlangen, aber kurzweiligen Gesprächen über die Reeperbahn, die Schönheit der anwesenden weiblichen Konzertbesucher oder die Verkaufszahlen des aktuellen Albums.

Das ist pures Entertainment, und die Kalifornier machen ihre Sache sehr gut. Die Routine ist der Band anzumerken – gefühlt ist es der zehnte Auftritt in Hamburg in den letzten fünf Jahren – aber der Spaß und die Freude, die Michael Starr, Lexi Foxx und co. jederzeit ausstrahlen, sind echt. Diese Truppe ist für die Bühne geboren, und mit ihrer Mischung aus schlüpfrigen Sexwitzen, guten Glam-Metal-Songs mit aberwitzigen Songtexten und spontanen Showeinlagen haben sie die Zuschauer während des ganzen etwa 100minütigen Sets komplett im Griff.

Eine dieser Showeinlagen etwa ist das spontan angestimmte Liebeslied auf eine im Vorfeld ausgesuchte weibliche Konzertbesucherin mit dem Namen Julia, die auf die Bühne geholt wird – jedes Bandmitglied interpretiert den Song anders und mit unterschiedlichem, natürlich unter die Gürtellinie gehenden Wortwitz. Julia scheint es zu gefallen. Genau wie den etwa 30 Zuschauerinnen, die zum Song „17 Girls In A Row“ auf die Bühne gelassen werden und ausgelassen mitfeiern und -singen.

Dennoch ist ein Steel-Panther-Konzert auch wie der wiederholte Konsum immer derselben Folge einer Sitcom: Der Witz nutzt sich einfach ab, egal wie gut die Folge ist. Abnutzungserscheinungen zeigt etwa auch das aktuelle Album Lower The Bar: technisch hervorragend und grundsolide, aber die großen Hits fehlen. Den meisten Anklang aus diesem Longplayer findet noch der Song „That’s When You Came In And Blew Me (Away)“, doch die Klassiker wie „Party All Day“, „Asian Hooker“ und der unvermeidliche Abräumer „Community Property“ finden mit Abstand den meisten Beifall im Mehr! Theater.

Dennoch veranstaltet Steel Panther keinen Klamauk, weil der Band die Liebe zur großen Glam- und Hair-Metal-Zeit jederzeit anzumerken ist und sie handwerklich meisterhaft und mit großer Entertainment-Gabe zu gut performt, als das Ganze als Quatsch abzutun. Vielleicht hilft ein Vergleich mit der von der Band so verehrten Reeperbahn: Das Konzert ist eine geschmacklos-schlüpfrige Zirkusshow mit ganz viel Humor unterhalb der Gürtellinie. Gleichzeitig aber veranstaltet diese Band immer noch die großartigste Glam-Metal-Party mit dem Esprit der glorreichen 80er, die man derzeit feiern kann.


2018/01/10 Filmkritik: Score – Eine Geschichte der Filmmusik

Score – Eine Ode an die Filmmusik Hollywoods

Was wäre ein Film ohne Musik? Die 90minütige Doku Score – Eine Geschichte der Filmmusik von Matt Schrader geht genau dieser Frage mit viel Pathos, Freude an der Emotion und einem sicheren Gespür für große Momente der Filmmusikgeschichte nach. Mehr tut Score nicht – aber das macht auch nichts.

Über 60 Komponisten, Regisseure und andere Personen der Filmbranche hat Schrader interviewt und teilweise ihre Arbeit dokumentarisch begleitet. Der Film arbeitet sich dabei chronologisch durch ausgewählte Höhepunkte der Filmmusik Hollywoods, wobei große Namen immer im Vordergrund stehen: Beginnend mit der Ära der Stummfilme, die niemals Stummfilme waren, mit Alfred Newman und den Klassikern der Mitte des 20. Jahrhunderts bis hin zu Jerry Goldsmith, dann schließlich die goldene Ära des großen John Williams in den 1970er und 1980er Jahren, gefolgt von Hans Zimmer, Thomas Newman und neueren Entwicklungen bis in die Gegenwart.

Dass der Film dabei gekonnt emotionale Momente großer Filmkunst mit interessanten und auch witzigen Details des Produktionsprozesses verschmilzt, ist ein großes Plus und sorgt für unterhaltsame Abwechslung, ohne dabei allzu sehr zu verflachen. Schmerzlich vermissen lässt der Film allerdings jegliche Erwähnungen der großen Zeichentrickfilmmusik etwa der Disney-Klassiker, in denen die orchestrale Filmmusik in höchster künstlerischer Vollendung zum wichtigen Darsteller wurde und kunstvoll jede Szene begleitete. Wer sich zudem einen Blick über den Tellerrand des großen Hollywood-Kinos erhoffte, wird ebenfalls bitter enttäuscht. Auch neuere Entwicklungen der Verwendung elektronischer und exotischer Klänge etwa eines Max Richter oder Johann Johannson finde keine Erwähnung.

    

Dennoch tut das dem Erleben dieses Dokumentarfilms keinen Abbruch. Score ist eine liebevolle, neugierige, mitunter humorvolle und augenzwinkernde Hommage an die großen Soundtracks des US-Kinos der letzten 100 Jahre. Dass dabei nicht die gesamte Filmmusikgeschichte beleuchtet werden kann und große Lücken gelassen werden, ist zu verschmerzen, weil es dem Film gelingt, eine gelungene Auswahl wirklich bedeutsamer Werke und ihre Wirkung auf die Nachwelt vorzustellen und zu feiern.

Score kratzt nur an der Oberfläche tiefergehender Fragen etwa nach der psychologischen Wirkung von Filmmusik, dem komplexen Zusammenspiel von Bild und Ton oder dem mühseligen Postproduktionsprozess – das möchte dieser Film auch gar nicht. Was er jedoch tut, ist die große Bedeutung von Filmmusik anhand herausragender und künstlerisch wertvoller Beispiele sowie geschickt angeordneter O-Töne und Kommentare von Beteiligten herauszustellen. Eine euphorische Ode, ein Abgesang auf große musikalische Momente der Filmgeschichte. Und weil die Bedeutung von Musik für den Film nicht genug betont werden kann, ist Score alleine deshalb sehenswert.


2017/12/05 Samsung – Gear Sport & IconX 2018

Der neue TV Spot für 2 brandneue Produkte aus dem Hause Samsung ist raus. Die Smartwatch Samsung Gear Sport zusammen mit den True Wireless Kopfhörern IconX 2018 begleiten euch bei allen Aktivitäten, gerade wenn es mal so richtig zur Sache geht.

Phenom Music hat den perfekten Song beigesteuert. Mit eFlower von J GRGRY bekommt der Spot die richtige Stimmung. Der Song ist bei iTunes und Shazam gleich hochgeschossen. Kein Wunder, ist ja auch ein toller Track!

Viel Spaß…


2017/11/01 Do Bigger Things – Samsung Galaxy Note8 Commercial

Samsung is back! Mit seinem Flaggschiff Galaxy Note 8 hat Samsung ein Smartphone gebaut, das seinegleichen sucht. Super edel und mit dem besten an Technik ausgestattet, was derzeit möglich ist, wird es seine Besitzer einfach nur umhauen.

Wir sind stolz wie Bolle, weil wir mit an Bord waren. Der Spot zeigt, wie leistungsfähig das neue Smartphone ist und wie es mit dem Assistenten Bixby und der Station DeX das Leben erleichtert. Do Bigger Things!


2017/10/23 Filmfest Braunschweig 2017

Zur diesjährigen Ausgabe des Internationalen Filmfests Braunschweig haben wir uns wieder mal in Kinos und Konzertsälen herumgetrieben und jede Menge Film und Musik mitgenommen. Mit dabei waren unter anderem der oscarprämierte Filmkomponist Jan A.P. Kaczmarek und der Composer des legendären Matrix-Soundtracks Don Davis.

Außerdem konnten wir einige vielversprechende Filme von jungen Regisseuren sehen und mit jungen Filmemachern über neue Projekte sprechen. Da kommt in naher Zukunft einiges auf uns zu!

 

 


2017/09/25 Recap Reeperbahn Festival 2017 #RBF2017: Mucke aufm Kiez

Unser geliebtes Reeperbahn Festival wächst von Jahr zu Jahr! Die Branche trifft sich und man bekommt viel Musik auf die Ohren. Es wird viel gequatscht, gehört und dann wird wird über das Gehörte gequatscht. Also ein endloser Kreislauf.

Die vielen Branchenveranstaltungen sind toll, um die „High Society“ der Musikindustrie mal wiederzusehen und um zu fragen: „Was gibt’s Neues?“. Allerdings ist meistens alles beim Alten. Da gab’s ja noch was – ach ja, das Festival!

Musikalisch waren wir natürlich auch viel unterwegs und haben uns Acts angehört und angesehen. Unsere Freunde von Welshly Arms waren in den Docks. Klar haben wir da reingeschaut und „Hallo“ gesagt. Wir sind gespannt auf den Auftritt nächste Woche bei Jimmy Kimmel. Alice Merton war am Start, deren Hit man aus der Vodafone-Kampagne kennt und zu einem echten Ohrwurm wurde. Mega nett war es auch (wie eigentlich immer) bei den Kanadiern im Kukuun mit Musik aus ihrer Heimat und bei den Schweizern im Sommersalon (nicht nur wegen des Raclettes).

Beim Secret-Spezial-Geheim-Act (Hahaha) waren wir nicht. Schlange ging bis zum Mond und da würden wir uns höchstens für eine Oasis-Reunion anstellen. Ich hoffe es hat sich gelohnt für alle, die da waren. Wie wir gehört haben, hat er für euch ja doch Wonderwall gespielt.

 

Dieses Mal waren wir auch im Michel. Nein, nicht zum Beten, obwohl warum eigentlich nicht? Musik wurde da gespielt und die Atmosphäre im Michel ist einmalig. Die Akustik auch. Perfekt für Charlie Cunningham und seinen leisen Tönen.

Ein buntes, spannendes und kräftezehrendes Festival geht zu Ende und wir sind echt platt, aber freuen uns natürlich auf das nächste Jahr!